如果你想做一名真正的室内设计师 你就得从最基本的美术功底开 逐渐培养你的艺术水平 然后在你一定的绘画基础和认识思想之后 才开始由素描 水彩逐渐走向设计 请注意这里只是逐渐走向设计·三大构成（立体 平面 色彩）同时你需要学一些中西方美术史 中西方建筑史 透视学 环境艺术概论 人体工程学 建筑设计基础 接下来才是建筑制图 室内空间设计 手绘 PS 3D CAD制图等知识 学习的同时 你也要多了解各地的文化背景 不然让你做个欧式风格 你连欧洲历史都不知道 拿几个罗马柱就是欧式吗？那是自欺欺人！设计要深入灵魂 了解历史 不然都是空谈！ 没有前面的基础知识 让你看一些大师的作品 你根本看不出来什麽名堂 觉得好 但就是不知道好在哪里 无法深入了解！ 多多看看大师的作品 先把眼光提高 你空洞是因为你没有基础 有句话叫“会看的看名堂 不会看的看热闹”就是这个道理
正常的步骤是由目数较低的砂纸开始打磨，逐渐把目数升高。制作军模常用的是水砂纸，不过现在使用的人也不算很多了，军舰船底之类的打磨可能会用到的多一些。打磨的时候方向运动尽量统一，这个同画素描是一样的，乱七八糟的痕迹不容易掩盖。砂纸常用到的目数一般为600、800、1200、1500，有更高的可能会用到2000目，按照这个顺序过来后基本上零件表面已经差不多了。这个时候为了检验打磨的效果，一般会喷上一层水补土，这个在模型店里也很容易买到，灰色是最常用到的，目数差不多2000目左右。喷涂完成后你会比较容易发现之间打磨过程中存在的瑕疵，针对那些瑕疵继续打磨，再喷水补，再打磨，直至你认为的光滑为止。最后做成极致的光滑效果叫抛高光，玩模型的习惯称为做镜面，顾名思义就是效果光滑得像镜面一样光洁可鉴。这就需要用到打磨膏，模型蜡等一类的特殊的工具。而且模友常把打磨膏叫做牙膏，是因为外形很像牙膏一样，用法上面也是一点一点挤的。但是绝对并非用真正的牙膏，至今还没听到过那个玩模型的做镜面要用市面上刷牙用的牙膏去打磨，真的。
实际上，相比《最后的晚餐》，达芬奇的《蒙娜丽莎》在艺术价值上并没有那么高，只能算是一副优秀作品，但在各种怪诞离奇故事的叠加下（例如“神秘的微笑”），价值才被无限放大，成为当今无可替代的名作······· 有事实证明，达芬奇曾画过两幅《蒙娜丽莎》： 资料显示，“文艺复兴三杰”中年纪最小的拉斐尔，有临摹过一副《蒙娜丽莎》的素描，但是画里的人物与现在我们看到的人物形象差距过大，此外，同时期有个著名的专门记录艺术家事迹的人，对《蒙娜丽莎》的描述，也跟现在看到的不符合：“蒙娜丽莎有眉毛，而且两边还有罗马柱···” 有学者就从时间上进行初步推测，《蒙娜丽莎》这幅画，1503年创作，1519年达芬奇去世的时候还带在身边，而且未完成，就算达芬奇再怎么个拖延，十多年的跨度也是不太可能的，所以可以推测： 在1503年，达芬奇创作了第一幅《蒙娜丽莎》，有眉毛，有罗马柱； 1519年之前，达芬奇创作了第二幅《蒙娜丽莎》，也就是现在挂在每天挤满人的卢浮宫里··· 但问题又来了，第一幅《蒙娜丽莎》跑哪里去了呢？ 有个传闻是被一位新加坡富豪买下来了，符合“眉毛和柱子”的描述，但最终还是无法确认下来。 还有一个传闻，是被俄罗斯发现了，但最终经技术检测，发现与达芬奇的时代不符合，所以是假的。 最终，研究者用非常精准先进的照相技术，对卢浮宫《蒙娜丽莎》进行了扫描研究，发现第一幅《蒙娜丽莎》，竟然就隐藏在第二幅卢浮宫《蒙娜丽莎》下面： 无论是之前的描述、作画技法、还是年纪差异（蒙娜丽莎十几年间，从如花似玉的少女，变成了中年妇女。），都完全符合。甚至还有一个铁证：在蒙娜丽莎衣服两种不同的不了拼接处，竟发现了达芬奇的签名！ 其实，问题得到解决并不难，难的是解决了一个问题之后，又带来了更多更复杂的问题： 《蒙娜丽莎》是一位委托画，是画给他的租客的，照理来说，画完之后应该拿给委托人，向他们要钱的，但达芬奇却在这十几年间，一直带在身边，还在上面画下了第二幅，为什么这么做，恐怕世人永远无法知道·····
说到西方油画，最出名的莫过于达芬奇的《蒙娜丽莎》了。尽管伦勃朗的《夜巡》和委拉斯凯兹的《宫娥》与之并称世界三大名画，但后两幅的影响范围远不及《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》为什么这么出名呢？ 从商业角度分析，有以下几个原因：1.画家的影响力。 首先，《蒙娜丽莎》的作者达芬奇，他是西方文艺复兴的三杰之一。与他同时代齐名的还有米开朗基罗和拉斐尔这两个响当当的人物。作者本身的影响力无疑会让他的艺术品更具有光环效应。比如，梵高。单看《向日葵》，普通人只觉得它是一副色彩绚丽，具有动态美的画。但署名是梵高的作品后，价值就大不一样了。 2.展示的地点 ：卢浮宫卢浮宫是法国的地标性建筑。而《蒙娜丽莎》又是法国卢浮宫的镇馆之宝。它几乎已经成了卢浮宫的标签了。去卢浮宫，围观群众最多，你不得不打卡的就是这幅《蒙娜丽莎》。3.《蒙娜丽莎》的跨界效应。 《蒙娜丽莎》是一位跨界明星。她不但在绘画作品中地位超然，她也是电影里的主角。人们在欣赏《达芬奇的密码》，《蒙娜丽莎的微笑》，《纵横四海》等电影的同时也对这幅画加深了印象。她的形象还被达利恶搞过，成了旅游纪念品商店的宠儿。 有人说《蒙娜丽莎》出名，是因为这幅画带有神秘感。它到底神秘在哪里呢？1.神秘的微笑。 画作中，蒙娜丽莎那微微扬起的嘴角，带有笑意的眼神。我试着用手去遮住画的上半部或下半部分，左半部或右半部，发现她都是在微笑的。蒙娜丽莎是一个真正会笑的女人！ 2.蒙娜丽莎到底是谁？ 蒙娜丽莎确有其人，据说还是达芬奇的爱慕对象。达芬奇的父亲把房子租给了蒙娜丽莎的丈夫，达芬奇为她画了肖像，并一直带在身边。3.两幅蒙娜丽莎 达芬奇其实画了两幅蒙娜丽莎。他在1503年画了第一幅画。在拉斐尔对蒙娜丽莎做的临摹素描中发现蒙娜丽莎的第一幅画是有眉毛的，而且身后还有罗马柱。第二幅，就挂在卢浮宫。但人们满世界的找第一幅，怎么都找不到。最后，还是一个法国人用X光扫描了卢浮宫中的《蒙娜丽莎》发现第一幅就藏在第二幅下面，被颜料覆盖了。4.失窃的蒙娜丽莎《蒙娜丽莎》在卢浮宫一开始并未获得独占一面墙的优待。后来，它莫名失窃了，又在一个仓库被找到。这次离奇事件，使《蒙娜丽莎》瞬间家喻户晓，被全世界新闻争相报道。 我自己并没有真正去卢浮宫参观过这幅名画。如果有机会的话，我希望能近距离的去参观这幅真迹。去感受作者每一笔画笔流动的轨迹，去感受颜料在画布上涂抹的厚度，去感受时间在这幅画上所留下的岁月痕迹。
1:罗马式时期后注重造型的哥特式时期 哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。
由于 11世纪下半叶，哥特式建筑首先在法国兴起。当时法国一些教堂已经出现肋架拱顶和飞扶壁的雏型。一般认为第一座真正的哥特式教堂是巴黎郊区的圣丹尼教堂。这座教堂四尖券巧妙地解决了各拱间的肋架拱顶结构问题，有大面积的彩色玻璃窗，为以后许多教堂所使法。法国盛期的著名教堂还有兰斯主教堂和沙特尔主教堂，它们与亚眠主教堂和博韦主教堂一起，被称为法国四大哥特式教堂。. 哥特式建筑高耸入云，就是为了营造神秘氛围，使人匍匐在神的脚下. ：君士坦丁堡大主教卡尔马斯说过：“教堂是尘世之天国，神们在这里生息活动。”既然教堂是神的栖息场所，自然与世间凡人的住所有所区别，所以就要建造得高耸入云、神秘莫测、弃绝尘寰。
罗马式建筑运用数学几何的一些科学分析得出新的建筑理论. .以出色的穹顶设计了被誉为早期文艺复兴代表的佛罗伦萨主教堂为了突出穹顶，砌了12米高的一段鼓座，连同采光亭在内，总高107米，成了整个城市轮廓线的中心，即便在今天，这个高度也是一幢超高层的建筑，足以成为一个城市的标志性建筑物。在当时，这是建筑历史上的一次大幅度的进步，标志着文艺复兴时期创造者的英风豪气。接着达芬奇发明拉我们如今素描所画的透视图，他还将这种透原理运用到拉建筑中，我们的建筑素描也就是从那个时期真正开始的。15世纪下半叶处于兴盛时期意大利艺术家创建一个法国比较著名的宫殿，这座宫殿虽然比不上凡尔赛 宫的宏伟，卢浮宫的广袤，但却 淡雅大方，给人以静谧温馨的感 觉。从建筑艺术上看，枫丹白露 可以说是法国古典建筑的杰作之 一。各个时期的建筑风格都在这 里留下了痕迹，其中弗朗索瓦一 世和亨利四世两朝建树最多。弗朗索瓦一世在意大利征战时，被文艺复兴艺术所倾倒，请来一批艺术家和能工巧匠。除法国建筑师外，意大利的艺术家们也参与建造。意大利艺术家们从事的内部装修更令人赞叹，此宫殿设计追求奔放，注重舒适，装饰华丽。到了文艺复兴式建筑之后期，由于无法再注入新的风格，仅能对于建筑物的外观加以装饰，遂形成了「矫饰主义」，逐步迈向了下一个建筑艺术时期─巴洛克建筑。
北欧、地中海、巴洛克、美式、新古典、简欧都是属于欧式的装修风格。北欧是以自然、简洁为主的，色调比较浅，偏向于用实木做家具，比较常用杉木、松木、橡木之类的原木做家具，比较环保，都是实木的，也会有少量的金属和玻璃制品做点缀。地中海风格主要特点就是淳朴的颜色，红瓦白墙；众多的回廊、穿堂、过道。比较多的运用拱形的门窗，白色毛墙面，常采用半穿凿或全穿凿来增强实用性和美观性。蓝与白，这是比较典型的地中海颜色搭配。黄、蓝紫和绿，土黄及红褐也是地中海比较经典的配色。房屋、家具的线条比较自然，感觉比较圆润。多以马赛克、小石子、瓷砖、贝壳、玻璃珠之类的做点缀装饰。窗帘、桌巾、沙发套、灯罩等均以低彩度色调和棉织品为主。多用小细花条纹格子图案。藤类植物是常见的居家植物。巴洛克风格是宗教、享乐的色彩比较浓郁，极力强调运动，造型上多采用圆，椭圆，弧来表现作品的张力，浓重的宗教色彩，在顶部绘画中常一般采用宗教内容；大量使用装饰品（通常是镀金、石膏或粉饰灰泥、大理石或人造大理石），巨大尺度的天花板壁画。美式风格更多的借鉴了古典主义和新古典主义风格的元素和特点，具有古典情怀。强调简洁、明晰的线条和优雅、得体有度的装饰，注重实用性、品质感和细节。色彩丰富，包容性强，融合多种风情于一体。更多的比较像美剧里面的装修风格。新古典主义风格反对华丽的装饰，尽量以俭朴的风格为主。比较注重塑造性与完整性；强调理性而忽略感性；强调素描而忽视色彩。简欧风格多以象牙白为主色调，以浅色为主深色为辅。相对比拥有浓厚欧洲风味的欧式装修风格，简欧更为清新、也更符合中国人内敛的审美观念。简欧风格比较大气。因为纯正的古典欧式风格适用于大空间，在中等或较小的空间里就容易给人造成一种压抑的感觉。简欧风格从简单到繁杂、从整体到局部，精雕细琢，镶花刻 金都给人一丝不苟的印象。一方面保留了材质、色彩的大 致风格，仍然可以很强烈地感受传统的历史痕迹与浑厚的 文化底蕴，同时又摒弃了过于复杂的肌理和装饰，简化了线条。
美术中任何物体都是有是由圆体、立方体、圆柱体、圆锥体这四种基本形体直接或变通组成。初学素描者刚开始就学习和掌握这些基本形体的画法和变化。
“总有那么一个人,想为他 她搭一座桥,想送他 她满山的雏菊,想告诉他 她你是我的全世界.” 《雏菊》是刘伟强在06年导演的中韩合作电影。它有韩语版本的和国语版本的。两种版本的我都看过，两种版本的主题表达都是一样的，只是剪辑的方式不一样。这部电影可以说是我这辈子看的次数最多的电影。第一次看是高三时画画在网吧看的，第二次是在画室边画画边看的，后来又看了很多遍，心情不好的时候会看，想看的时候会看，有时会关了声音单看画面，每一次看的感受都不一样，每一次都会看到影片的更多细节。它也唯一一直被我放在电脑里电影。 第一次看这部片子，可能是被女主角全智贤所吸引，因为之前看她演的《我的野蛮女友》和《野蛮师姐》都挺好看的。这次她演的是一位艺术家叫惠英，我觉得她很适合这个角色，有点抑郁，有点孤单，有点清纯，有点平凡。当时，我还没有学过关于电影方面的知识。只是知道这是一个童话般的故事。所以第一次看，主要是看的是剧情。故事讲一个杀手在自己第一次杀人后，遇见了一个纯洁的像雏菊的女孩，一开始他只想帮助她，给她建了那座桥。后来，杀手觉得如果早点遇见她，或许，他不会走向那条路。他开始养雏菊，开始做她平时做的一些事情，关注她所喜欢的画家，甚至学她开始画画。因为他想假装是她，或许可以让自己的灵魂纯洁一点，他一直在她不知道的地方默默的关注着她的生活。每天都会送一盆雏菊花给她。这些就像雏菊的花语一样的——隐藏心中的爱。我觉得他很不容易，他有非一般的隐忍能力。即使后来为主的警察代替了他的位置，他还是在他本来的位置上默默着守着。他所做的一切一切都是为了她。虽然最后的结局有点悲伤，但当时就是被他的人格魅力所吸引，觉得这部片子拍的很唯美，是一部感人的爱情影片。 第二次看的时候，我被这部影片的音乐所感染，影片的音乐主要是纯音乐。从影片开始欢快的纯音乐，它带动了整部影片的开始，层层递进。杀手喜欢的古典音乐，肖邦的G小调夜曲，以及惠英在街头画画时的街头音乐，还有惠英失去声音后悲伤音乐，以及他们三人画面是混乱的纯音乐，都恰到好处的运用了。虽然同是纯音乐，但是却代表了不同意思。杀手喜欢的古典音乐贯穿了故事的一条线索，也让惠英知道了他是一个杀手。而那些快节奏，慢节奏，混乱的节奏的纯音乐都从另一方面展示了演员内心的活动以及渲染了当时的画面气氛。 再次看，我的注意力又转向了这部影片的艺术气息和画面色彩，首先是惠英的画，大幅小幅的油画雏菊，以及她为杀手画的一些素描，还有她画室的布局和装饰都很富有艺术气息，导演很会渲染艺术氛围，在那些街头画家在街头画画的写实的生活和荷兰街头巴洛克和洛可可风格的建筑映衬下影片富有文艺气息，就连杀手组织处的室内也十分的艺术，陈旧的罗马柱和石膏雕塑 ，以及被雨淋湿在地上化开的颜料，还有惠英爷爷古董店的古典装饰等等把影片的艺术品味提升了。因为这些艺术的存在，影片的画面色彩都变得十分丰富。整个影片是以古典的胶片色彩为主，如果把影片切成一张张画面，很像一张张油画，一些红色的房屋和绿色的树都点缀的恰到好处。 关掉声音，这时，你看到的是这部影片的镜头语言和演员表情语言，影片一开始就是推镜头，画面的淡入淡出。接着又是缓缓平移镜头，呈现在观众面前的便是蔓延开来的绿色和大片大片盛开的雏菊。对人物的近景，大特写也十分仔细，在枪战过程中还使用了摇镜头，使画面富有真实感。在很多地方也用上了蒙太奇的手法，使得画面表现得丰富复杂。演员的真情表演是更不用说，我特别喜欢杀手第一次看见惠英对男的笑的时候脸上的表情，很贴切地表达了他内心世界。 《雏菊》就是这样流畅的镜头语言，适当的自然光线，毫不做作的表演，情到深处的反应，动情简练的对白，切换自如的画面背景，还有韩国爱情片一贯的唯美风格。影片结尾，“不管怎么样，未来是可以改变的。”似乎这句话是的多余，但是这句话大大的改善了此时观众的悲伤心情，在尾声添加一点希望，这一点在很多韩国的电影和电视剧里面都会用到。 现在只要闭上眼睛想起《雏菊》，眼前就是朵朵的雏菊。在阳光的照耀下，很灿烂，天空纯净的如同慧英的心，风在慧英的奔跑中将草地染成绿色的湖，绿草茵茵中朵朵雏菊随风摇动。故事中爱情的悲伤，人生的灰暗，残暴的血性，好像被排斥在记忆之外。因为这个故事已足够让我欢喜和感动，或许也有人会说，女主角没有见过男主角怎么就认定那就是他，就是她所爱的对象，她等的不是那两个男的，等的只是雏菊而已。但是我认为，我们这世界上需要的是感动，一切一切的偶然和不确定，才让我们的生活本身更有意义和活力！我觉得女主角在等的是什么已不重要，男主角的行为和现在残酷的现实符不符合也不重要，只要你觉得它是一个感动你的故事就可以了，只要你觉得它符合你心中的乌托邦，说明它已经达到它本生的价值了。或许，对于我来说，我更看重的是这部影片的曾经美好和这部影片本生想表达这段纯洁的真爱。以及对我内心留下的一些有意义的东西，我只要记住美好的画面，当自己累的时候看看，心里的难过和悲伤全都消失了。因为我觉得它可以治愈我。 “惠英”发现当初送出的那幅油画和杀手的留言便条，猛然醒觉的“惠英”疯狂地赶到广场，护住扮作诱饵的警察并拼命地喊叫，竭力地制止这场圈套和悲剧的实现。杀手从“惠英”的唇语中读懂了原来自己才是她真正等待的爱。终于，他放弃了任务的执行，走前广场向“惠英”表白，并说明警察是被其他人射杀。此时，“惠英”突然发现站在当前的杀手正被瞄准，她毫不迟疑地瞬间跳前，为杀手挡住了致命的一枪。 很悲伤的一部戏，篇尾曲唱得非常凄美：“我一直所等的爱，原来就在身边”。警察懊悔自己没有珍惜和抓住自己的爱，杀手在分开以前才有勇气作出表白，而“惠英”在临死之前才能拥抱自己的真爱。 有人坚守着心中的那份等待，有人无奈地离开，有人想抓紧却又不在。那雨后的阳光下，雏菊花依然灿烂，爱情的忧伤，谁又能真正坦然地把它放开？ 雏菊——心底的爱 惠瑛：又下雨了，不喜欢带雨伞的我，像这样每次下雨，总要找避雨的地方。可能习惯了一个人的生活，反正弄湿了也没有人担心我。所以，没有雨伞也无所谓。爷爷常说。别担心，雨总是会停的，雨后的阳光会更加灿烂，终有一天，你会找到意中人的。我还在等待着我的初恋。雨终归是会停的，但我也不至于相信这一瞬间会出现我的初恋。 朴义：我从没想过要得到什么，过去没有，现在也没有。但她给予我意想不到的东西。我真希望日子就这样一天天过去，一直到永远… 正佑：我梦到的爱情，总是离我那么近，可是我站在你身边，你却总是一言不发。 “我梦寐以求的爱，原来尽在咫尺”不知有多少人明白了，不知有多少人还在自欺。
室内设计所学主要内容，供参考： 素描、速写、色彩构成、室内设计制图与识图、室内设计原理、手绘与效果图表现技法、装饰构造、装饰材料与施工工艺、装饰设备与工程实例、预算报价与招投标、AutoCAD、考察与实践环节、居住空间设计、办公空间设计、商业空间设计、餐饮空间设计、展示空间设计、3D MAX、Photoshop、Lightscape、Vray等
