新古典主义风格论文古典主义与新古典主义论文-趣分享

欧洲艺术发展的过程也是一部艺术和设计的发展史。下面是我为大家整理的欧洲艺术的影响论文，供大家参考。

欧洲艺术的影响论文范文一：欧洲中世纪艺术走向谈

摘要：艺术的分期有多种，中世纪艺术在历史上有着其特殊的地位与作用，作为一个时代艺术的定位，欧洲中世纪往往被冠以“黑暗时代”的恶名，那么中世纪艺术究竟有着怎样的命运?是高尚，还是卑微;是进取，还是保守;是自由，还是专制，都是在这一历史时期所产生的疑问，对中世纪的艺术进行一番疏略阐述，或许会对这些疑问得出些结论。

关键词：中世纪艺术走向

一、何谓“中世纪”

按照历史学家的大致观点，历史上的“中世纪”(Middle Ages)一般是指日耳曼民族攻占罗马，即西罗马帝国灭亡(公元476年)开始，至15世纪文艺复兴(公元1453年)之后，资本主义萌芽之初为止。这只是一个比较统一的认识，史学界还存在着诸多种关于中世纪历史的界定，但其大致的范围不会脱离此区间。

历史上的中世纪曾长达近一千年，是欧洲历史上(主要指西欧)的一个时代，意大利诗人彼特拉克(公元1304~1374)将历史划分为古代、中世纪和近代，视中世纪为一个无比混乱的中间期。他习惯性地将中世纪这一时期成为“黑暗时期”。那为什么会叫做“黑暗时期”呢?

“中世纪”一词是从15世纪后期的人文主义者开始使用的。在政治上，这段历史也叫做中古史，指的是476年西罗马帝国灭亡到1640年英国资产阶级革命爆发这一时期的历史(与前表述有)。封建制度的形成、发展和解体是这一时期欧洲历史的主线。但是世界各国封建社会的发展是不平衡的，当西欧在5世纪刚刚进入封建社会的时候，中国封建社会的历程已经持续了约1000年。

这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治，封建割据带来频繁的战争，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪的早期在欧美普遍称作“黑暗时代”，传统上认为这是欧洲文明史上发展比较缓慢的时期。

这样看来，似乎中世纪的一切都笼罩在“黑暗”的阴影之下，没有光明，没有喘息，没有呐喊，没有生机，“黑暗”统治着一切，就连艺术这样最为灵活便利地反映精神生活的方式也难以开花结果。事实果真如此吗?

二、中世纪艺术表现思考

提到“中世纪”，人们会想些什么?“中世纪”这个词会使一些熟悉的图景浮现在人们的脑海：哥特式的大教堂，封建城堡，十字军和贵族战争，宗教法庭上燃烧的火焰。从几个世纪前“中世纪”作为划分古希腊罗马和近代历史的名称而开始使用时，就带有一种贬义，它暗指欧洲文化历史的毁灭和空白，并一直延续至今。“如果人们想找一个形容词来描述落后、缺乏文化、没有法制，人们就可以使用中世纪这个词。‘中世纪’实际上成了描写一切黑暗和反动的词的同义词了。”①那是否在黑暗笼罩下的一切都是暗淡无光的呢?艺术也是如此吗?我们不禁会问。

诚然，中世纪在政治上有其黑暗的一面，表现在艺术上也是如此，但艺术有着更加顽强的生命力，在适应时代要求的同时，它总是能够在黑暗中给人以光明，给人以心灵的慰藉，并有力地推动了历史前进的步伐，成为借鉴历史的一面明镜。中世纪的艺术在这方面表现的尤为突出，虽然因为历史的局限性，它存在着这样或那样的不足之处，但其取得的艺术成就也是前无古人并足以令后世所景仰的，它在世界艺术之林中所占的地位更是举足轻重的。

哥特式教堂的宏伟庄重，拜占庭镶嵌画的优美华贵，罗马雕塑的粗犷沉重，都是对特定时期艺术现象的风格描述，都有其特定的内涵。黑格尔在《美学》中把建筑划分了三类：古埃及的象征主义建筑、古希腊的古典型建筑和中世纪的哥特浪漫型建筑。“浪漫型建筑在材料和建筑构形的科学性、合理性、完善性方面都超过了古典型建筑，也就是说在审美判断力的主导之下，最合宜的材料和最经济合理的构形被组合成无与伦比的人类构造物，并体现了人类最崇高的理想。”②为了表达对基督的崇拜和解脱的愿望，建筑的形式被夸张到无形式的程度，崇高伟大也被扩大到无限量，浪漫型建筑达到了审美判断里的最高层次——崇高和伟大。

拜占庭的镶嵌画既有鲜艳夺目的色彩效果，又有坚实稳固的结构感，在造型上尤其讲究概括，不是通过细节刻画而是通过色彩对比来达到其形象的造型，使主体鲜明突出。可以想象，在光线的照射下，那些互为补色，外型概括的形象在金色背景的衬托下，是如此的绚烂夺目，又是如此的和谐统一。它给予信徒的就是这样一种无尚崇高和神圣的宗教感受。镶嵌画达到了基督教所要求的肃穆矜持与激动人心的永恒，无疑是具有独特风格与形式的拜占庭艺术的最好表现。

罗马雕塑的复兴证明了艺术家的无穷无尽的想象力和创造力，无论是欧坦教堂山花壁面的人物造型，还是高大的柱头装饰，都显示出了逼真生动、自由大胆、变化多端的效果。

政局动荡，社会混乱，必然会对经济、艺术等领域产生不小的影响，但我们知道，艺术发展总有它的不平衡性，无序状态下的艺术也未必不能开出绚烂的花朵。正如中国古代的魏晋之风，欧洲中世纪的艺术园地也别具一格。在那一时期所创造的艺术成果和形成的艺术风格是那段时期特有的精神财富，甚至它的影响遍及世界各地及至现代。如果要说它的某些弊端的话，我想大概是宗教意识在艺术上给人的一种精神压迫，这种精神约束力在整个中世纪时期是一直存在的。

欧洲中世纪的教会有着无比强大的力量来操控着社会事务，中世纪初基督教的支派天主教会帮助日耳曼人建立和巩固政权，教会的势力随之壮大。“灵魂救赎”、“人间互爱”等思想主张不但适用于奴隶主，同样适用于封建主，有利于维护封建统治。基督教的基本教义成为封建贵族阶级的宗教，成为其统治服务的工具。

中世纪的西欧在最初主要是自然经济占主导地位，生产力低下，科学技术无法应用于生产。在社会上，群众受到教会和封建贵族的压迫，被剥夺了受教育的机会，教会推行的愚民政策流传开来。教会“可以从政治、经济、文化、教育、思想等各个方面，通过各种不同的手段和途径控制群众，施加其影响，这就使宗教神学必然成为占统治地位的官方意识形态，群众思想不可避免地会受到宗教神学的深刻影响，他们的思想感情是受宗教熏陶的，是由宗教滋养的。几乎人人都成了虔诚信徒，完全屈服在教会权威之下，成了正统教义和教会权威的奴隶。这种状况严重阻碍了生产的发展和社会的进步。”③至此我们可以理解艺术在中世纪被打上宗教烙印是现象。

历史的发展总有它的高潮和低谷，以至于后来14、15世纪天主教的神学思想受到了来自“异端”分子的攻击，他们并不认为人活着要有禁欲的必要，他们要求解除天主教困扰在他们头上的精神枷锁。伴随着资本主义的萌芽，反教会的斗争也愈演愈烈，终于在16世纪中期出现了文艺复兴和宗教改革，这些运动主张在思想和文化上冲破封建的牢笼和教会的精神束缚，给予人自身真正的尊严和价值，恢复人的自由意志，肯定人在现世所应享的幸福，这使得欧洲又迈上了一个新的台阶，开启了一个新的时代。

这也从另一个方面说明了艺术在中世纪所遭受的苦难，但也仅仅是限于艺术精神上而言，在形式上看来，中世纪的艺术并没有承担过多的罪责。我们应该记住艺术精神对自由性，同时也不忘艺术形式的多样性。

3.结语

中世纪已经离我们远去，但历史留给我们的遗产是丰富多彩的。宗教的神圣光环已经在中世纪的上空褪去，艺术也早已走下那高不可攀的神坛，它变成了大众得以品评的盛宴。我们姑且不用去考量那段时期的艺术究竟是伟大还是渺小，是光荣还是卑拙，因为艺术的走向不是单单艺术本身的事情，它牵扯到太多的关系。在这里，我们只需细细地品味它那独特的味道，感受其深邃和震撼的力量，或许也能体会出些艺术的精神和启示。

注释：

①【苏】A.古列维奇，庞玉洁、李学智译.中世纪文化范畴.杭州:浙江人民出版社.1992年版.第1页.

②李卫、费凯著.建筑哲学.上海:学林出版社.2006年.第357页.

③陈曦文.世界中世纪史研究.北京:人民出版社.2006年版.第208-209页.

参考文献：

中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室.外国美术简史.北京:中国青年出版社.2007年版.

郑敬高.欧洲文化的奥秘.上海:上海人民出版社.1999年版.

陈乐民.欧洲文明十五讲.北京:北京大学出版社.2004年版.

庄锡昌.西方文化史.北京:高等教育出版社.1999年版.

欧洲艺术的影响论文范文二：欧洲古典四大艺术风格对女装风格的影响

内容摘要：艺术和文化上的发展变化，必然会在人们的服装风格上反映出来，尤其是女装的风格总是与一个时代以及这个时代的文化艺术紧密联系在一起的。

关键词：哥特式艺术风格巴洛克艺术风格洛可可艺术风格新古典主义艺术风格女装风格

每个时期都有不同的艺术风格流派，它们表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术等各个艺术领域，对人们的社会生活、精神生活产生影响。在欧洲的艺术史上哥特式艺术风格、巴洛克艺术风格、洛可可艺术风格、新古典主义艺术风格占据着举足轻重的地位，同样地影响到同时期的服装风格。

一、四大艺术风格的特点

哥特式艺术风格 “哥特式”原本是起源于一种极具特色的建筑风格——笔直的立柱，高挑的天顶，多尖的拱门，这些均可见于中世纪的一种以尖顶大教堂，特点为尖拱、小尖塔、垛墙、飞扶壁和彩色玻璃镶嵌等典型元素。这种风格影响到整个欧洲，反映在不同的艺术领域，如绘画、雕刻、装饰、音乐等艺术形式上。其特点是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的，以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征。

巴洛克艺术风格巴洛克代表了路易十四的精神。它具有气势雄伟、生气勃勃、色彩艳丽、线条优美、富丽豪华的风格。它把人类精神从古典主义的枷锁中解放出来，使其沉溺于无边无际的、令人神往的梦幻之中。它一开始主要针对17世纪意大利的建筑风格。后来，巴洛克风格影响到建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域。巴洛克艺术风格最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。

洛可可艺术风格18世纪的法国仍是西欧的文化艺术中心，由于沙龙文化在法国的蓬勃兴起，使女性成为了男性世界注目焦点，形成了一种不同于巴洛克时期那种庄重豪华、拘泥虚礼的宫廷文化的文化形态，那就是洛可可艺术风格。洛可可风格的鼎盛时期是路易十五时代，它主要是指路易十五时代的一种室内装饰风格：C形、S形曲线或漩涡状花纹的装饰风格。另一个特色则是甜美轻快、精巧华丽，而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。这种特色影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式，并融入理性主义美学。

二、四大风格对同期女装风格的影响

哥特式风格哥特式风格深深地影响了中世纪法国服装的服饰审美及服饰创造。受建筑风格的影响，哥特式服装风格主要体现在服饰形象是高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角，在面料上表现出与哥特式教堂内彩色玻璃的效果是一致的光泽和鲜明的色调。裙饰多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

巴洛克风格由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，“巴洛克风格”代称17世纪欧洲的服装款式。其着装特点是大量的使用蕾丝、花边，并配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、刺绣、珠宝等，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

裙子是巴洛克女装的重点。衣裙特点是松垂、多褶、曳长，比文艺复兴时期柔和、自然、大方、富有浪漫气息，更显出女性自然的妩媚。女性除了外边的罗布以外，还要穿三条不同颜色的裙子(即衬裙、内裙和外裙)，以取代裙撑架。下裙穿多层肥大而多褶的裙子，使下体显得鼓大，以增添体积感和层次感。服装上不论是整体造型还是局部造型，都是更多地强调曲线，展露出女士特有的性别魅力。

洛可可风格作为一种服装的风格，洛可可风格的特点是极致的优雅和精致，它打破了文艺复兴以来左右对称的模式，创造出一种非对称的，带有轻快、优雅的运动感的，自由奔放而又纤细、轻巧、华丽、繁琐的装饰样式。

女性服装内穿束身马甲，裙撑架再度兴起，此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称，要在裙撑外穿一条华丽的衬裙，外穿罗布，一般前开，领口成一个大的U字型，上面露出紧身的胸衣，胸衣自上而下按大小顺序排列着一排缎带蝴蝶结，罗布下面也成A字型打开。衬裙外露，衬裙和罗布上也都装饰着曲曲弯弯的皱褶飞边、蕾丝、缎带蝴蝶结和鲜花。袖长到肘部，袖口也有三层的蕾丝花边。

新古典主义风格 1790年到1820年，新古典主义思潮兴盛，使女装向古希腊、古罗马那种自然样式倾斜，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式。Robe chemise就是这一时期的典型样式。这是一种白色棉布制作的宽松的衬裙式连衣裙，连衣裙的腰际线提升到胸部下面，使人体的比例更加好看，胸部的内侧有护胸层，取代了紧身胸衣，解除了对女性身体的束缚。袖子很短，露出手臂;裙子很长，一直垂到地上，使女性着装又一次回归到淡雅、自然之美。

三、四大艺术风格对现代女装风格的影响

当今时装界，欧洲古典的艺术风格流派仍然是很多服装设计师们的灵感来源，设计师们高举复古风的旗帜,在许多细节设计上都回归到了几个世纪之前。

Gucci就曾以哥特式风格为灵感设计的系列服装，非常性感。黑色摇滚女郎，带有上个世纪30年代好莱坞女星的味道：裤子为宽裤脚，剪裁紧身、修长，配搭绑带、高跟鞋，性感中带个性，使得女郎带有哥特式的神秘色彩。

巴洛克风格也被时装设计大师们所宠爱。YSL设计师Tom Ford以巴洛克风格为灵感来源，把法式蕾丝、领结、宽袖，重新演绎成现代服饰。他所采用的材质，展现出既成熟又性感的女人形象。绑带是设计中的细节重点，常常出现在上衣、裙子、鞋子上，还有宽袖口、领结，以及以黑色为主调，华丽的绣花，古典的收腰外形，不禁令人遥想几百年前的法国宫廷圣罗兰女人的万种风情。

D&G2008年春夏礼服系列，是时装界回归洛可可风格的一个高潮。印花布料和夸张的裙撑、打折的花边、繁复的缀饰、低胸衬裙的造型设计以古典优美的X形轮廓为中心并强调裙及袖的层次和质量。在色泽选择上，将草绿、粉红、鹅黄等富丽堂皇的色彩一一呈现，顿现轻巧而华丽。

2008年雅莹和2008—2009秋冬专场发布会以新古典主义为灵感来源。其服饰将女性形体间的极佳比例完美呈现，通过立体剪裁、抽褶、滚边等勾勒出极具视觉效果的空间感，并配以夸张的蝴蝶结、复古的宽腰带和金属饰物。饰物色彩上以黑金、米黄为主体色，略施点缀玫瑰红和暗橘、墨绿等色，从而显出经典的华丽与高贵。

结语

欧洲艺术风格不仅仅有这四类。多样的文化必然会造就社会多彩多姿的艺术形式，而服饰更是时代的一面镜子，它不仅反映出人与自然以及社会的关系，且折射出一个时代的氛围和人们的精神面貌。

参考文献：

.中国纺织出版社，2002.

.轻工业出版社，2001.

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新古典主义和浪漫主义的比较

站在时代的边缘，前进或是后退——古典主义和浪漫主义文史论发展比较西方文学史上的古典主义流派和浪漫主义流派自它们诞生以来就是被史论家们品头论足的好对象，这不仅仅因为这两种重要的文学主义之间有着那么显著的差异，也是因为它们之间存在着不可忽视的联系。而且其中又衍生出无数光辉灿烂的大师巨匠之作，更是为它们的理论发展增添了精彩扎实的实践证明。要了解西方古典主义和浪漫主义的渊源流传，最为最为清晰感性的方式就是熟悉代表作品，而直接理性的方式就是摸清他们的史论发展。首先在时间上，古典主义出现的时代远远早于浪漫主义，早在古希腊罗马时期就有了“古典主义”的启示，为了和后来17世纪的古典主义浪潮区分开，这个时期的文学叫做“罗马古典主义”。古典主义的开山鼻祖在普遍意义上认为是贺拉斯（公元前65－公元8），他是罗马杰出诗人、批评家，生于意大利东南部韦努西亚，是古典主义的奠基者。他的著名文论《诗艺》首次系统地阐述了古典主义原则。其中所谓古典主义，指罗马文艺要向古希腊文艺学习，以古希腊文艺为典范的文艺主张。关于这本书的理论基础，或多或少和大学问家亚里士多德有关联。据说亚里士多德去世后，为了避免他的学术成果被当局者破坏，他的弟子们将其著作隐匿起来，直到后世才重新被挖掘出来，只有少部分学者得以专门研究，他们被称为“亚里士多德派”。虽说贺拉斯并未直接阅读亚氏的论文，但是《诗艺》公元后三世纪的训诂学家鲍菲里奥为其作序时说道：“贺拉斯继承了尼奥普托勒马斯的观点——至少继承了其主要的观念。”尼奥普托勒马斯是整理研究亚里士多德《诗学》原稿的亚里士多德派学者之一。所以说，《诗艺》实际上是接受了亚氏的文艺观念影响。这点主要表现在他们对“摹仿”这一形态的相似之处和进步之处。亚里士多德强调文艺摹仿人生，贺拉斯在此基础上又提出了文艺摹仿古典的原则。例如：主张采用古希腊文艺的传统戏剧；学习艺术家表现手法；学习古希腊艺术家根据不同体裁用不同诗格；总之，应全面学习古希腊文艺。然而，这并不要求罗马作家在古希腊作家后亦步亦趋，因为它的目的不是重复古希腊的文艺，而是要创造表现罗马奴隶主上流社会人物的军功伟业和高贵性，创造无愧于罗马大帝国的光辉艺术；所以，主张学习的同时，摹仿时不能作茧自缚，题材上描写罗马祖先，语言上敢于创新。古罗马的文学创作虽然始终并未超越古希腊，但是贺拉斯的《诗艺》却成为人类文明史上最伟大的文学史论著作之一，即使在经历了中世纪摸索时期的文学，和轰轰烈烈的启蒙运动之后，它也依然保存着顽强的生命力，直到新古典主义的萌芽。17世纪的英法，资产阶级和封建贵族处于斗争又妥协、势均力敌的状况，封建统治者手握政权，为了维护和强化封建王权，在意识形态领域强调秩序合理性，与此同时在文艺理论上进一步强化和发展亚里士多德、贺拉斯理论体系，法国的布瓦诺等人提倡的法国文艺向古希腊罗马文艺看齐的主张，世称“新古典主义”。新古典主义：哲学基础是“唯理主义”，它的核心是：“崇拜理性而轻视感性和情感。”即强调以理性为文艺立法，以整顿文艺复兴以来的“混乱”的文艺状况出现在路易十四时的法国，和“王朝复辟”时期的英国；而德国当时并未形成统一的封建中央集权制国家，资产阶级的力量也未发展起来，因而也未形成典型的古典主义时期。所以后来产生的“德国古典美学”和17世纪的法英古典主义含义不同。由于各国政治进展不同，所以各国的古典主义风潮也略有不同，其中代表浪尖的国家还是有着优秀艺术传统的法国。最重要的代表人物是布瓦诺，1636年生于法国巴黎，他早年研读神学，后来学习律师，在父亲去世后成为了诗人，而他的思想也从激进的反封建主义转变为拥戴以路易十四为首的封建王朝。他的著作《诗的艺术》（1669年－1674年）是一千多行的诗体论文，是一部向封建贵族妥协、按照王权的政治要求和艺术趣味，总结文学创作经验，企图规范法国文学艺术的理论著作。总共包含四章。第一章总论中，一般论述文学创作基本原则，阐明理论的重要性；第二章分析牧歌、挽歌、颂歌、十四行诗、歌谣等非主要诗体；第三章论悲剧、喜剧、史诗等主要诗体，这部分为全书的核心部分，因为它提出“三一律”应被定为法规；最后就是论作家的道德修养，提出忠告，总结全文。在这本书里提出了几个原则：A 理性的原则（唯理主义）布瓦诺认为理性是文学的基础，也是文学的目的。遵从理性是艺术达到完美的根本途径，但作为一个有实际创作经验的诗人，他也不反对艺术表达情感，但不可跟着模糊的感受和情感走，只能跟着理性走。在创作中要求感性情感服从理性，在作品的内容形式上要求具有高贵性和规范化。他所推崇的亚里士多德也说：“艺术创作是‘心之理性的生产’。”布瓦诺要求内容高贵，即表现高贵人物、歌颂王权；反对内容的鄙俗，即反对艺术上表现“市井”、“村俗”，认为戏剧大师莫里哀的缺点就是“过分做人民之友”。他还认为形式要符合内容的理性要求——就是“三一律”的要求——一地一天完成一个故事。关于这划时代的一点，亚里士多德的《诗学》曾提出戏剧情节应统一，也只是认为应以“太阳一周”为限；文艺复兴时期的意大利人卡斯特尔维屈罗则认为表演时间应该与事件时间一致，才能使观众相信。但是现在，“三一律”在《诗的艺术》里首次把戏剧创作的一种意见变为戏剧的法律。《诗的艺术》的优缺点在这里暴露出来，他能够总结经验，某些内容也合乎艺术规律，但又带有明显的封建专制主义政治色彩和艺术教条主义，对长久的文学发展造成了一个禁锢灵魂的危害作用。B 自然的原则“艺术摹仿自然”——亚里士多德、贺拉斯人性的根基是理性，因而合乎理性的人性是人性的自然，自然的也就是理性的。从总体上看，该书要求诗人模仿“自然”，要服从理性的指导，自然的原则从属于理性原则，自然的原则是理性的原则的补充。但是，布瓦诺的“自然”指的是“城市、宫廷”，并未包括下层人民的生活，这样的“自然”当然是狭隘偏见的。C 古典的原则主张以古希腊罗马的古典作为典范。他看到艺术的历史继承性规律，但不懂得艺术随时代发展而发展；他想树立人们心中古典的绝对权威，但是却不及贺拉斯的“以希腊为典范”意见，其目的是为规范本国文艺，根本目的还是为了创造出适合这个时代的光辉艺术。布瓦诺的出发点最终还是因其专制色彩过浓而失去了方向。D 道德的原则提倡理性、真、善、美四位一体，艺术最高理想即四者和谐统一，要做到这点，作家就要有道德修养：不贪图金钱、爱惜名誉，作品“使人耳怡目悦而决不腐蚀人心”。法国由于布瓦诺和他的《诗的艺术》而步入一个新的时代，自文艺复兴之后百家共鸣的“混乱”局面，走进理性领导的文艺时期，虽然三一律也造就了一批优秀的剧作家，同时压制了一些思想先进的作家，但还是不乏莫里哀这样站在人民这边，为人民呐喊的剧作者。他的代表作《达尔杜弗》、《吝啬鬼》等，因为深刻揭露了上层封建统治者黑暗腐朽的寄生本质和宗教虚伪残忍的真面目，而深受人民喜爱并流传至今。这个时期的英国，在1649年资产阶级与新贵族联合推翻王权、处死查理一世，克伦威尔铁血独裁开始；到1660年斯图亚特王朝复辟，最后1668年光荣革命中，资产阶级和新贵族再次推翻复辟王朝，一波三折的反封建斗争使得英国人的文学。有了和法国那种明显的压抑专制气氛完全不同的一种氛围，出现了“百花齐放”宽容大度的现象。代表的批评文学家和他的著作有屈雷顿的《论剧体诗》、蒲柏的《论批评》、约翰生的“类型”理论。屈雷顿（1631－1700）又译德莱登或德莱顿，英国诗人、剧作家、批评家，英国新古典主义创始人，“英国文学批评之父”。他的《论剧体诗》1665年写，1668年发表，采用苏格拉底式对话方式，试图把法国古典主义艺术趣味引入，但又不否定英国传统中有价值的东西，为莎士比亚和“三一律”的矛盾作出客观的说明，这引起当时英国社会的强烈反响，虽然有人称他是个“见风使舵的家伙”，但他的启蒙成就依然不容忽视。蒲柏（1688－1744）伦敦人，他“把布瓦诺的古典主义英国化，又把英国传统理论古典主义化”，《论批评》是集英国新古典主义之大成的作品。约翰生（1709－1784）英国古典主义后期代表，他注意到人物的个性，包含了现实主义成分，在一定程度上动摇了“三一律”的固化模式。古典主义在欧洲大陆上风行了很长一阵子，直到18世纪－19世纪三四十年代，在欧洲重新出现有广泛影响，并影响至今的文学思潮——“浪漫主义”。作为和新古典主义相对立的一种文学思潮，浪漫主义具有其明显特点，但在欧洲各国及不同作家身上，具体表现形态和理论主张又不完全相同。最主要的是德国。正如前文提到，德国由于国情问题，自古典时代以来就和其他国家的步伐不一致，但是在浪漫主义时期，德国还是出现了天才的作家——歌德和席勒，他们联手将德国文学，乃至世界文学推上一个新的高峰。德国浪漫主义美学理论上来自康德美学：1 美是超功利的，和实际利害无关的，审美的情感是种“自由的愉快”，强调审美活动的独立性，为浪漫主义摆脱“艺术的目的是教育”；2 “美的艺术是天才的艺术”：天才的艺术想象力是艺术家独具的才能；天才是自由的发挥自己独具的才能进行自由创造、通过天才的努力，使自己与规律达到统一。是对古典主义教条的否定；3 强调崇高是人的崇高，为浪漫主义对人的歌颂提供了依据，把康德二元论哲学发展成唯心论哲学的费希特（强调“自我”的独立性，把“自我”看成世界的创造者）、谢林（主张自然哲学的目标，也就是从自然追溯到精神，把自然还原成精神）更是直接影响了德国浪漫主义。他们的主张为浪漫主义者解放了主观世界，导致浪漫派推崇无所约束的个性；并成为浪漫派崇尚自然，表现人与自然之间亲密关系的理论基础。史勒格尔兄弟为代表的耶拿派，认为“浪漫主义的诗是无限的、自由的，不受任何规律约束”；“艺术乃是上帝在世间的可睹现象”，所以是人对人世间现实的描绘要慎之又慎。奥古斯特说：“美的艺术无目的”，而文艺批评是主动、自由的纯心灵的活动。另外海涅的《论浪漫派》则认为中世纪的基督教浪漫主义无继承必要，矛头直指向耶拿派，主张沿着席勒歌德之文学道路走；相信无视德国现实而一味缅怀中世纪的耶拿派无出路；他在对歌德、席勒的评论中努力探讨德国文学前途，认为席勒的优点是“为伟大革命写作”，而歌德是“在艺术上完美，重视个人感情”，总结真正优秀的德国文学应该结合二者的优点。德国民族文学在多年的探索后，终于由歌德的成名作《少年维特的烦恼》一书举世闻名，而记录知识分子灵魂成长之路和艺术沉浮历程的《浮士德》，史诗性的《威廉·退尔》等书的出色实践。从此德国文学创作和文学研究都登上了艺术殿堂的顶尖一席。跟更多是在象牙塔里寻求人生出路的德国浪漫主义不同，英国浪漫主义则是产业革命和法国资产阶级革命的产物。就文学思潮和文学流派渊源关系而言，英国“湖畔派”受德国“耶拿派”影响，但与其把文学引向心灵和上帝不同，“湖畔派”是把宗法制度下的自然生活同产业革命后的工业城市相对照，表示出对资本主义的反感。另外，英国浪漫主义诗论也不同程度带有基督教神秘主义烙印；这是由于他们在历史发展中同样接受德国耶拿派浪漫主义影响，且基督教在英国、乃至欧洲势力强大。法国1789年大革命后，封建贵族地位不再，社会动荡，生活巨变，向往彼岸世界的宗教情绪产生；资产阶级个性发展（制度建立），但早先启蒙思想家描绘的社会现实破坏。致使很多有识之士产生对现实的失望、苦闷、甚至愤慨、不满心情；令得他们对现实和幻想都有“情”可抒，浪漫主义由此在法国诞生。总体来说，各国的浪漫主义都是建立在一种对古典主义的批驳的基础上。浪漫主义和古典主义针锋相对的地方有很多：古典主义崇敬理性，而浪漫主义追求人的情感和自然本性；古典主义要求文学与“自然”保持一致，浪漫主义则强调作者主观心灵和想象的真实；古典主义要求诗具有道德教育作用，而浪漫主义则是注重诗的审美功能。不论是古罗马古典主义还是新古典主义，不论是新古典主义还是浪漫主义，他们普遍的产生趋势都是因为当时的社会现实与他们理想中的社会有着强烈反差：封建专制制度和资本主义人剥削人的黑暗现实，使得情感丰富的人们只能以文字来表达深刻的哀怨与向往——随着社会发展，希望和失望的反差时大时小，古典主义和浪漫主义的精髓在各个时代都或多或少地造就了一些影响。最终，人们的呼声穿透了纸张，一代代地深入下去，在今天得到更多全新的诠释

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让－奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean-Auguste Dominique Ingres) 法国画家。1780年8月29日生于蒙托邦，1867年1月14日卒于巴黎。他的父亲约瑟夫·安格尔是蒙托榜皇家美术院院士，母亲是皇宫假发师的女儿。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，1791年安格尔被父亲送到图卢兹美术学院学习，1797年17岁时到巴黎，投入到雅克·路易·大卫的门下。那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫（又译达维特）正担任拿破仑的首席画师。安格尔极受大卫的喜爱，达维特曾为他画过一幅肖像（右图）：那微微皱起的眉毛下，有着一双认真思考的眼睛。1806年，安格尔赴意大利，1824年回到巴黎。后来，1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推祟拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女))、《土耳其洛室》等。1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入黑色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。在1824年时安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时代感兴趣，他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西（RaphaelSanti,1483-1520）去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条乾净和造型平整，他强调纯洁而淡漠的美，这是与达维特的艺术观点相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。安格尔生前享有很大的声誉，死后安葬在巴黎著名的拉雪兹神父公墓。安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。