波普艺术就是pop， 流行而短暂。波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。
在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。
最广为人知的应该就是安迪沃霍尔（Andy Worhorl）了，被称作是波普之父，我相信每个人都见过他的玛丽莲梦露，然而他当时也就用了15分钟，因而所谓波普艺术更是意指人人皆为艺术家，这即为流行性，而产生的作品也相对具有短暂性。
安迪·沃荷（Andrew Warhola），被誉为“波普艺术之父”，1930年出身于美国匹兹堡的一个斯洛伐克移民家庭。《玛丽莲·梦露》是安迪·沃霍尔在1962年最典型的代表作。在狂热的1960年代，安迪-沃荷开始用波普艺术征服纽约。可口可乐、香蕉、米老鼠、Campbell汤罐头，甚至毛泽东和梦露。一切日常生活中稀松平常的物品，在他手中都变成了艺术。1962年，安迪创立了他注明的“工厂”工作室（The Factory）。在那里，他的“艺术工人”们可以自由的创作艺术。1975年，安迪出版了他的非正式自传《安迪-沃荷和他的普普人生》（The Philosophy of Andy Warhol），书中他诠释了自己对艺术的理解：挣钱是一种艺术，工作也是艺术，把生意做好就是最好的艺术！辉煌过后，晚年的安迪-沃荷遭遇的是冷落和非议，人们不但不再欢迎这位大师，反而会攻击他。1987年2月22日，他意外死亡于一个简单的膀胱手术后的并发症。安迪死的时候，纽约甚至没有一个地方专门展示他的作品。他的珍贵是人们回忆他时才被发现。 凯斯·哈林（Keith Haring，1958年5月4日－1990年2月16日）是1980年代，美国街头绘画艺术家和社会运动者。他最早期的作品是在1980年创作的，当时他在纽约地铁的车站中，寻找黑色的海报待贴处，使用白色粉笔涂鸦，多为粗轮廓线，单色、空心的抽象人、动物等图案，他的作品经常犹如某种复杂花纹，各种图案充满了整个构图，往往没有透视，也没有肌理，但具有许多象征性的感情，如吠叫的狗，跪趴着的小人等。 大卫·霍克尼（David Hockney），1932年生于英国。1953年进入布雷德福艺术学院学习绘画两年，尔后进入伦敦皇家艺术学院学习，并获该院金勒斯奖，1966年在克斯明画廊举办个人画展。霍克尼早年追随汉密尔顿发展波普艺术（Popart），60年代波普艺术在美国为全盛时期，代表人物有R·利希滕斯坦和A·沃霍尔。他们的特点是以人们衣食住行的日用品为绘画对象，采用实物拼贴、环境设计的方法，物象是精细的、变形的，具有广告设计的性质，画面显示为冷漠超然的风格。数十年中霍克尼绘画都吸取这种波普艺术的特点，又创造性地融入他的绘画之中。他的画写实中略带变形，既有精细的照相写实，又有变形夸张的拼合，那种人与存在，人与社会细微奥妙的变化深藏在他的作品之中。 罗伯特·文丘里（Robert Venturi），1925年6月25日生于费城，被誉为波普建筑之父。1961年美国费城有一个老妇人瓦纳（Vanna Ventur）决定帮助她36岁却仍无建树的建筑师儿子，办法是自己出钱请儿子盖一座便宜的小住宅。没想到这座当时专业观点看是怪异丑陋的住宅，日后却成为建筑史上赫赫有名的“栗树山母亲住宅”。而这个建筑师儿子罗伯特·文丘里（Robert Venturi）也籍之成为波普建筑之父。“母亲住宅”也许还不能称之为完全意义上波普建筑（也许它还显得不够蠢），但是它已经在观念上清晰地呈现了波普的基本要义：摈弃高雅，拥抱世俗，玩弄符号，追求混乱，这些观点基本上是针对造型的，说穿了波普建筑是一种抵制理性，哗众取宠，追求丰富怪异造型的建筑。1966年文丘里出版了《建筑的矛盾性与复杂性》，更从理论上向当时主流的现代主义刻板单调的火柴盒建筑开炮。他将现代主义建筑大师密斯的名言“less is more”（少就是多）调侃为“less is a bore”（少就是闷）。文丘里说“建筑师再也不能被正统现代主义的清教徒式的道德说教吓住。我喜欢建筑要素的混杂，而不要纯净；宁要歪歪扭扭，而不要直截了当；宁要自相矛盾，也不要直率和一目了然。1972年文丘里出版了《向拉斯维加斯学习》，他认为现代主义建筑是精英文化，而普通大众喜闻乐见的是平凡、活泼，装饰性强的建筑。他认为赌城拉斯维加斯的霓虹灯、广告牌、快餐馆等商业而夸张的造型正是群众的价值标尺，建筑师要同群众打成一片，就要向拉斯维加斯学习。之前是职业建筑师以高雅的现代主义建筑教化民众，文丘里却要他们俯首向混合着低级趣味与过度刺激的市井文化取经。因为文丘里看来，现代主义完全是压抑个性，扼制享乐的非人性的建筑风格，建筑师应该放下臭架子向人民群众的审美学习，走波普建筑之路。从这个意义上看，盖里、哈迪德、马岩松都应该算作是骨子里的波普建筑师。 米诺儒·雅马萨奇（Minoru Yamasaki），1912年出生于美国华盛顿州西雅图市，1986年2月因癌症逝世，美国籍日本裔建筑师。1949 年他建立了自己的事务所，他与米斯有非常密切的关系，设计上深受米斯的影响。30年代口袋里仅有40美元的山琦实从华盛顿移居纽约，找到了一份很好的差事，那就是与施里夫、兰姆和哈蒙等一起承担帝国大厦的设计工作。在1973年世贸中心双子楼落成之前，帝国大厦是世界上最高的大楼。他1958年设计完工的底特律市威恩州立大学的会议楼，既体现了西方古典传统，又有西方现代风格，还融进了东方园林的手法，有一种典雅、细致的个人品味。这一风格在他后来的诸多建筑作品中得到了发扬和提升，并独树一帜。查尔斯·詹克斯（Charles Jencks）在1977年的《后现代建筑语言》一书中声称：“现代建筑于1972年7月15日下午3时32分在美国密苏里州圣路易斯城死去，许多人不曾注意到这一事件，也无人为之出丧，但这并不意味着它突然死亡的说法失实”。这一历史事件其实是指圣路易斯的房屋管理局将当地一处治安混乱、无可救药的黑人高层住宅区（Pruitt-Igoe）的爆破拆除。设计这些大楼的建筑师正是史上最倒霉的建筑师山崎实。
汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界，使我们突然意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。1956年，就在美国的抽象表现主义最火爆的时候，英国艺术家汉密尔顿，用很多照片剪贴出一幅画，题为《我们今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力》。这种艺术创作手法在现代艺术中称为拼贴，此作品被认为是第一件真正意义上的波普艺术作品。这幅作品把50年代欧洲中产阶级的生活追求：美男美女、录音机、电视机、吸尘器、浪漫电影等等，用图片拼贴的方式放在一起。其中的美男子像健美运动员一样，手上拿了一个棒棒糖。这个巨大的棒棒糖上面的商标是POP。而恰好英文popular的简化也是POP”。 (Andy Warhol，1928－1987)波普艺术是20世纪最有影响的艺术运动之一，也是20世纪唯一获得普遍接受的艺术流派。在这场艺术运动中，沃霍尔一马当先，成绩斐然。他被视为波普艺术最杰出的代表人物和最有革命性的艺术家。这位捷克籍的美国艺术家以可口可乐、速食罐头等题材的作品而闻名，之后他又将电影明星和名流要人作为创作对象。其中最为人熟知的就是1962年创作的《玛丽莲·梦露》。 他喜欢完全取消艺术创作的手工操作，经常直接的将美钞、罐头盒、垃圾及名人照片一起贴在画布上，打破了高雅与通俗的界限 。安迪·沃霍尔说过一句话：Every thing is beautiful. Pop is everything.这句话就是，所有的事物都是美丽的，波普就是所有的事物。 劳森伯格收到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由第反映客观现实，不受传统的束缚。他甚至把城市的废弃物作为创作材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照独特的艺术构思拼凑取来，使之脱离原来的属性，在形式上开创了“结合”艺术的先河。
在西方现当代美术思潮演绎过程中“波普艺术”是极其重要的一环，它是西方现代艺术和后现代艺术之间最重要的分水岭（笔者认为）。因为“后现代”一词主要是针对二战后（50年代初~60年代末）一系列文艺思潮中的普遍性通用术语。早在20世纪50年代初（1952年左右）萌发于英国，其代表人物就是大名鼎鼎的现成品拼贴艺术家汉密尔顿（Hamilton），后来被尊称为西方“后现代艺术之父”。代表作1956年的并贴作品《是什么使今天的生活变得如此迷人》标志着波普艺术正式进入爆发期！之后逐渐蔓延至美国直到50年代中后期达到鼎盛。其中最富盛名的当属安迪·沃霍尔（Andy Warhol, 1928、8、6 --- 1987、2、22），在美国波谱艺术的道路上堪称是真正的领航人，而詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist1933、11、29 --- 2017、3、31）出生于美国北达科他州，到了60年代的时候正是波普艺术最鼎盛的时期，此时的罗森奎斯特刚好是30岁左右的青壮年，艺术成就仅次于安迪·沃霍尔。被当时的艺评界尊称为波普艺术的二把手！早些年间他在美国明尼苏达州一带专门从事街头广告画制作（苦力画工）。 从草根画工一跃成为正式的职业画家大约也就用了10年左右的时间。转折点可以追溯到专门为明尼苏达州一家油漆承包商制作“菲利普斯66”指示牌开始。后来为了更好的生计于是到了纽约做起了正式的广告牌艺术家，直到50年代中期他的画幅制作越来越大，巨大的画幅和当时商业模式（大众消费文化）有着十分密切的关系。商业街到处密布的高楼大厦当然需要巨大的商业广告来提示消费，城市大街上空的庞然大物形象跟他后来艺术的发展模式如出一辙——巨大的画幅可以把展厅里的每一堵墙体填充到密不透风！视觉上能够充分的做到千里之外之物象体现到绝对现实，当观者走近时却又能产生草色遥看近却无式的迷幻错觉！ 波谱艺术（Popular）最重要的特征就是去抽象化表现主义模式提倡符号化具象简约语言模式。它的由来和大众流行文化脱不开干系，因此又叫“普普艺术”即“通俗文化”、“流行文化”之意。英国波普艺术的代表人物除了汉密尔顿之外还有保罗齐、蒂尔森、霍克尼、基塔依、史密斯、琼斯等人。到了鼎盛期的美国代表人物除了安迪·沃霍尔、詹姆斯·罗森奎斯特之外，还有罗伯特·劳申伯格(Robert Rauschenberg,1925~2008）、罗伊·利希滕斯坦、阿历克斯•卡茨、克莱斯·奥登伯格等人。美国波普艺术的鼎盛期可谓是大咖云集，那为何偏偏将詹姆斯·罗森奎斯特称其为二号人物呢？理由不难理解，他的画作早在波普艺术萌芽期就已经触碰到了思潮的端倪，可谓绝对的生逢其时！其它波普将领紧随其后更靠近后现代之后而已。上述这些人毫无疑问都属于后现代之后（当代艺术萌芽期）的奠基人。 詹姆斯·罗森奎斯特早年作为一个自主式草根主体如果没有遇到波普思潮永远也达不到一个有意义的结局，事实上无意义的徒劳奋斗过程本身就是有意义！就像加缪在《西西弗斯的神话》中所说的，“这个没有主宰的世界对他（西西弗斯）来讲既不是荒漠也不是沃土，这块巨石上的每一颗粒，这黑黝黝的高山上的每一矿砂唯有对西西弗斯才形成一个世界。他爬上山顶所要进行的斗争本身就足以使一个人心理感到充实。”詹姆斯·罗森奎斯特的每一张画作都不是通过并贴方式从广告上攫取下来的。他那碎片而又蔚为壮观的油画没有一幅是通过想象的形象描绘出来的，正如他所说：“我喜欢那种普通到一晃而过，最好是不被注意到的形象。” 因此画面中总能透露出隐隐约约的怀旧感，可这些感触在后来的罗伯特·劳申伯格以及罗伊·利希滕斯坦那里完全没了踪影！等到了阿历克斯•卡茨那里直接可以对接的是极简主义风格。怀旧感在詹姆斯·罗森奎斯特那里并没有讽刺意味，事实上就是加缪所说的属于一种高层次的虔诚！庞然大物式的图像对接拼凑再加上逼真而又艳俗的色彩——恰如其分地证明了他用大白话式的记忆碎片赤裸裸地洗涮着商业社会中的消费文化注定是过眼云烟！比美国当时过时的现实主义艺术还要更加的现实和写实。像1965年《F—111》这样的画作就是上述论述当中的最佳证明。 詹姆斯·罗森奎斯特的艺术让很多国内伪艺术家趋之若鹜，像谭平、王玉平等人早年间作品就在有意识或者无意识地在模仿对方，尤其像尚扬基本上恨不得变成绝版式罗伯特·劳申伯格和塔皮埃斯！原因来自于1985年那次中国美术馆举办的罗伯特·劳申伯格大展。所以这些艺术家的作品一辈子都很难在西方面前抬起头来！中国本土古老的文脉资源绝对能丰富到让西方艺术家垂涎三尺，可偏偏要跟着人家区区不过300年的家史如影随形的瞎跑。当然原因很简单这样做艺术既省事儿又能诈取中国市场上多余的劳动价值！这些所谓的艺术家反正绝大多数都生活在体制里面，过着衣食无忧而又体面的生活，艺术造诣方面很难逃脱依靠画广告牌谋生的苦画工励志生态式五指山！ 纵观詹姆斯·罗森奎斯特一生的职业生涯，对西方现当代美术史的贡献是莫大的，是现当代美术史演变过程中无法绕开的一位人物，其一生除了不懈余力地普及和推广波普艺术在现当代艺术谱系中的地位之外，他的伟大之处像《F—111》画作的诞生无形中是对消费社会的不满与呐喊！作为美国本土最富盛名的艺术家并没有辜负整个社会以及艺术史对其应得的敬仰和认可。 语拙2020、7、20于京
（Charlie Parker) (1920——1955）于1920年出生于美国堪萨斯城地位： 和小号手迪克·吉列斯比（Dizzy Gillespie)一同被誉为比波普风格的创始人。演出风格：1、音乐尖锐，极具穿透力2、技艺非凡，演奏速度奇快3、精准无比，每个音的发音以及重音的处理都十分巧妙代表专辑：《Dizzy bird at carnegie hall》（Parker 和Dizzy 合作》包含名曲：“ a night in tunisia”“Dizzy atmosphere”“koko”“things to come” (1917——1993）1917年出生于美国切劳地位：是古巴爵士乐，乃至整个拉丁爵士乐的奠基人风格特点：1、超凡的演奏技巧2、演奏时鼓腮的奇特造型代表专辑：《bird songs, the final recordiness》《dizzy’s business》《con alma》 Thelonious Monk (1917——1992）风格特点：1、个性鲜明，善于运用不协和音，其和声进行被视为最复杂的即兴伴奏2、大量作品都是三十二小节 A-A-B-A形式3、音乐极其简约，“留白”在他的即兴演奏中非常重要4、他的伴奏方式不同于典型的比波普伴奏方式，更像完整的作品，非跟走方式5、兼作曲家，编曲为主代表专辑：《Thlonious Monk at the Blackhawk》包含名曲：“round midnight”evidencelet’s call thisepistrophy Oscar Peterson (1925 ~~ )1925年出生于加拿大演奏风格：1、彼得森将速度、耐力、清晰度和想象力这四个元素完美的包裹进他充满爆发力的演绎中2、他所有的作品本质，始终依附在轻松且节拍灵活自由的摇摆乐中艺术地位：是一位领袖版的伟人承前启后的波普乐
知名的波普艺术家包括：
1、 詹姆斯·吉尔
2、 理察·汉密尔顿
3、 凯斯·哈林
4、 大卫·霍克尼
5、 贾斯培·琼斯
6、 罗依·李奇登斯坦
7、 彼得·马克斯
8、 克拉斯·欧登伯格
9、 罗伯特·劳森伯格
10、 詹姆斯·罗森奎斯特
11、 伟恩·第伯
12、 安迪·沃荷
13、 高野绫（タカノ绫）
波普艺术（pop art，又译为普普艺术或通俗艺术），是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是由1956年英国艺术评论家罗伦斯·艾伟（Lawrence Allowey）所提出。
波普艺术同时也是一些讽刺市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。
早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。
从意识型态和社会发展的背景来看，波普艺术在1960年代来反抗当时的权威文化和架上艺术，不但具有对传统学院派的反抗，也同时具有否定现代主义艺术的成分，虚无主义、无政府主义是波普艺术的精神核心。
波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得灵感。
扩展资料：
发展历史
波普为Popular的缩写，意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。
他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。
在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是理查德·汉密尔顿。
1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。
20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。
美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。
美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。
美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。
集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。
参考资料：百度百科-波普艺术
